par Olivier Pélisson

Sortie : le 31 octobre 2012

Age : à partir de 15 ans

Durée : 1h36

Un film brésilien

Genre : Drame

Réalisation : Marcos Prado

Interprétation : Nathalia Dill, Luca Bianchi, Livia de Bueno, Bernardo Melo Barreto, César Cardadeiro, Divana Brandão…

Etonnant film sensoriel que Les paradis artificiels. Marcos Prado livre là son premier long métrage de fiction. Une plongée sans complexe dans l’expérience de la drogue, du désir, du sentiment et de l’aventure existentielle. Sous influence ou pas, les personnages font un voyage au bout d’eux-mêmes, entre le Brésil et les Pays-Bas.

Erika rejoint tout d’abord une immense « rave » sur une plage du Nordeste brésilien avec sa copine Lara. Elle rêve de faire connaître ses talents de DJ. Nando s’y rend aussi avec un ami. Les trois êtres se croisent et s’unissent en pleine nuit, dans le feu des substances chimiques et des fluides corporels. Deux ans plus tard, Nando séjourne à Amsterdam d’où il va rapporter dans ses bagages des drogues de synthèse pour un ami. Il y retrouve par hasard Erika devenue reine des platines et rangée des voitures côté consommation. Ces deux là en pincent à nouveau l’un pour l’autre. Mais la vie n’est jamais simple…
Evitant l’écueil du film clip, de la vitrine branchée, de la propagande consumériste ou du pensum moraliste, Marcos Prado s’intéresse avant tout au chemin de ses personnages. Il donne à voir une jeunesse avide de sensations et de liberté physique et psychique. Quitte à tout tester pour mieux se connaître. Ou pour échapper au quotidien ? A un futur déjà trop lisse et phagocyté par la mondialisation ? Avant d’écrire et de filmer son récit, il a longuement enquêté afin de

mieux appréhender la jeunesse. Ses aspirations. Ses expérimentations. Ses visions.

Mais le riche parcours documentaire de l’auteur n’empêche pas la fiction d’exister fort. Erika et Nando guident l’action et le spectateur dans les allers et retours entre les deux continents et les différentes temporalités étalées sur six ans. Une audace narrative qui paie. Ce sont les vibrations intérieures des êtres qui mènent. Ils donnent de la chair et du nerf aux images. Ils impulsent leur vitalité et leurs doutes au flux de l’action. Les délires sous substances sont rendus comme rarement via une mise en scène précise. Au plus près des visages, des corps, des peaux, et du souffle de ces adultes en devenir. On sent même les acteurs s’oublier au bénéfice de leurs personnages.

Tout le travail formel

et technique brille par sa maîtrise et sa fluidité. Et toujours au service de l’histoire. Il faut citer l’image de Lula Carvalho, le montage de Quito Ribeiro et le son de Leandro Lima, Alessandro Laroca, Armando Torres Jr et Eduardo Virmond Lima. Un brio esthétique d’autant plus notable qu’il accompagne l’émotion à l’œuvre et réussit à rendre vibrante l’humanité nomade des Paradis artificiels. Jusqu’au crescendo des dernières scènes cariocas, quand la concrétude parfois triviale de la vie rattrape les jeunes anges épris d’absolu.

La bande son électro de Rodrigo Coelho et Gustavo MM nourrit aussi les tâtonnements des êtres. Loin d’en faire une bande démo fabriquée, elle souligne au contraire leurs états intérieurs. Car la jeunesse à l’œuvre est toute entière tournée vers ses sens. Au rythme de son pouls et à l’écoute des pulsations du monde. Pas évident de bâtir un tel film sans tomber dans le cliché ou dans la complaisance, de l’esthétisme « hype » à la virée trash. Les paradis artificiels y échappent et renvoient un écho nouveau aux amours hippies du More de Barbet Schroeder (1969), quarante-trois ans plus tard.

Déjà auteur du portrait documentaire Estamira (2004) et producteur du diptyque musclé et triomphal de son complice José Padilha Troupe d’élite (2007-2010), Marcos Prado s’annonce comme un protagoniste prometteur du cinéma brésilien. A suivre de près.

Par France Hatron

A partir de 12 ans

Un film français

Sortie : 17 octobre 2012

Genre : Comédie dramatique

Durée : 1 h 31

Réalisation :

Louis-Do de Lencquesaing

Scénario :

Louis-Do de Lencquesaing

Interprétation : Marthe Keller, Valentina Cervi, Alice de Lencquesaing, Bernard Verley, Louis-Do de Lencquesaing, Xavier Beauvois, Laurent Capelluto, Ralph Amoussou, Enola Romo-Renoir, Denis Podalydes…

Au galop a été présenté à La Semaine de la Critique au Festival de Cannes 2012.

Ada est une trentenaire bien dans vie, bien dans sa tête et dans sa peau. Elle a cette beauté saisissante des femmes qui se savent belles mais ne montrent pas qu’elles le savent, ce qui leur donne cette touche naïve devant laquelle aucun homme ne recule. Paul se laisse happer au premier regard par cette jolie brune, un brin intello, à l’accent italien sensuel. Elle va se marier avec le père de sa fille. Il l’apprend très vite et doit bien s’en accommoder.

La question

du choix va évidemment se poser pour la belle insoumise qui, à la manière de Catherine (Jeanne Moreau) tiraillée entre Jules et Jim, va chercher à sauver sa peau. L’atmosphère de Truffaut plane dans ce film, pas seulement du fait de son propos mais aussi grâce à cette voix off lancinante de Louis-Do. Un Louis-Do à toutes les commandes dans son premier film puisqu’il l’a écrit, réalisé et qu’il y incarne l’un des deux rôles principaux, celui de l’amant qui est aussi le père de Camille, sa vraie fille dans la vie.

Sa distribution

impressionne. Valentina Cervi en amoureuse transie, Marthe Keller en mère noble déjantée et Alice de Lencquesaing en fille à papa bobo, lucide et sensible, crèvent l’écran. En tant qu’acteur, Louis-Do sait s’imposer avec pudeur et nonchalance devant ces femmes fortes qui décident de leur destin sans user de la force, juste de leur intelligence et de leurs désirs profonds. Ces femmes dépeignent avec une grande vérité les moteurs qui font avancer les Femmes d’aujourd’hui : leur courage, leurs faiblesses mais aussi leur force et leur sens du devoir.  En tant que réalisateur, il pose sur elles un regard admiratif et plein de compassion. Ainsi son personnage de Paul devient une victime presque consentante, puisqu’il a compris les femmes de notre époque.

Les dialogues sont affutés, souvent très drôles, et particulièrement ceux qui évoquent la mort. On retiendra la scène des chaussettes en cachemire choisies par la veuve (Marthe Keller) pour habiller son défunt mari ! Elle a peur qu’il ait froid dans sa tombe ! Eclats de rire de ses deux fils (Louis-Do et Xavier Beauvois) qui lâchent : « Heureusement qu’il nous entend pas ! S’il nous entendait, il rendrait les chaussettes ! »

Ce film touche sans faire mal, il ne dénonce rien, ne juge personne. Il prend seulement la température d’une époque et d’un milieu social avec une petite touche de mélancolie, corsée par la musique électronique envoûtante d’Emmanuel Deruty. Une mélancolie qui, bien qu’estompée par rapport à celle du maestro François Truffaut, nous berce ici tendrement et nous redonne goût à la nouvelle vague, au galop !

Par Guillaume Dimanche

Réalisation : Leos Carax

Scénario & Dialogues : Leos Carax

Images :

Caroline Champetier

Décors : Florian Sanson

Musique : Neil Hannon

Montage : Nelly Quettier

Son : Erwan Kerzanet

Interprétation : Denis Lavant (Mr Oscar), Edith Scob (Céline), Eva Mendes (Kay M), Kylie Minogue (Eva Grace), Michel Piccoli (L'homme à la tache de vin), Elise Lhommeau (Léa).

La journée de travail type de Monsieur Oscar… Il enchaîne les rendez-vous, coaché par Céline, son chauffeur, secrétaire et confidente. Oscar va naître 10 fois au travers de personnages divers : un grand patron, une mendiante roumaine, un tueur. Il va mourir plusieurs fois aussi. On le voit notamment, puissant, riche et vieux, confronté sur son lit de mort, à Léa, une belle et douce jeune femme pour laquelle il déploie ses dernières forces avant de lui souffler les mots de la fin. La puissance du regard d’Elise Lhommeau, qui incarne Léa, nous ramène à celui de Charlotte Rampling dans Portier de nuit.

La mise en scène oblige à osciller sans cesse entre réalité et fiction, entre décors naturels et images numériques. Le cimetière du Père Lachaise n’est pas redessiné en studio. Il s’agit bien de l’original, juste transformé, à l’image du protagoniste. Et cet Oscar, lui, est-il un personnage fictif dans la vie réelle, aliéné aux caméras comme un héros de téléréalité ? Les 10 vies s’enchaînent, laissant juste à Oscar un court instant pour remercier sa partenaire à la fin

d’une séquence ou annoncer le prénom de sa partenaire suivante.

Totalement immergé dans

l

Par Olivier Pélisson

Historias

Le septième art « brasileiro » a particulièrement brillé en mai dernier en France avec la 14^e édition du Festival du Cinéma Brésilien de Paris et la présence au 65^e Festival de Cannes de cinéastes en compétition officielle (Walter Salles), en séances spéciales (Nelson Pereira dos Santos, Ruy Guerra), en sections parallèles (Anita Rocha da Silveira, Leonardo Sette & Isabel Penoni, Juliana Rojas) et dans les divers jurys (Carlos Diegues président de la Caméra d’Or, Karim Aïnouz dans le jury de la Cinéfondation et des courts métrages).

L’été s’annonce aussi chanceux de présence brésilienne avec la sortie de trois nouveaux longs métrages : Historias, les histoires n'existent que lorsque l'on s'en souvient de Julia Murat le 18 juillet, Insolation de Daniela Thomas et Felipe Hirsch le 25 juillet, et Tourbillon de Clarissa Campolina et Helvecio Marins Jr le 15 août.

Un constat rare pour être signalé. Le nombre de productions brésiliennes ayant droit à une sortie française se compte en effet, chaque année, sur les doigts d’une main. 2003

a atteint le record avec cinq films (Avril brisé de Walter Salles, La Cité de dieu de Fernando Meirelles, Madame Satã de Karim Aïnouz, A la gauche du père de Luiz Fernando Carvalho et Moro no Brasil de Mika Kaurismäki), ex aequo avec 2012 (les trois précités, Trabalhar Cansa de Juliana Rojas & Marco Dutra en avril, Les Paradis artificiels de Marcos Prado annoncé en octobre).

Si certaines grosses productions françaises (OSS 117 Rio ne répond plus de Michel Hazanavicius) et américaines (Rio de Carlos Saldanha, Fast & Furious 5 de Justin Lin) ont récemment pris pour cadre le pays dans son versant exotique, il est finalement difficile de suivre la cinématographie nationale vu d’ici. D’autant plus que les têtes de file du cinéma brésilien s’en vont régulièrement tourner ailleurs, de Walter Salles aux Etats-Unis (Dark Water, Sur la route) à Karim Aïnouz à Berlin (Praia do futuro), en passant par Fernando Meirelles entre l’Afrique, l’Europe et l’Amérique du Nord (The Constant Gardener, 360).

Heureusement, d’autres donnent des nouvelles de leur pays. Deux tendances ressortent des trois films présentés en cet été hexagonal. D’un côté, les personnalités établies de la scène et des arts, Daniela Thomas et Felipe Hirsch, signent un film esthétisant dans la ville ultra graphique de Brasilia. De l’autre, de jeunes cinéastes visitent les terres reculées du Brésil et confrontent les jeunes générations aux anciennes dans une lignée ou réalisme et poésie se mêlent. Trois propositions. Trois visions. Et trois raisons de voyager sur grand écran.

Insolação suit les pas de personnages en proie au doute existentiel et au gouffre des sentiments, dans une cité déserte et dominée par ses lignes horizontales, verticales et obliques. Une vraie léthargie écrase les êtres tout comme le soleil frappe les corps et les matériaux. Et donne le ton de cette variation brésilienne inspirée des récits des maîtres russes Tchekhov, Pouchkine ou Tourgueniev. Il est question d’hommes et

de femmes, jeunes ou moins jeunes, qui se dépatouillent avec leurs pulsions et la peur de la perte de l’être aimé. Voir même du sentiment. Mais ce récit d’implosion de l’amour reste avant tout marqué par sa forme, ultra soignée, trop finalement, tant elle étouffe l’émotion et la charge sensorielle de cette charpente sclérosée sur sa construction savante. D’autant plus que le narrateur apparaît régulièrement dans un snack et donne à lire des textes à des êtres de passage, le long d’un ennui larvé. Thomas & Hirsch sont des artistes esthètes reconnus pour leur travail formel et leur inventivité sur des mises en scène, scénographies, décors et installations (Hirsch vient de mettre en scène à Rio de Janeiro O Livro de itens do paciente estevão d’après un roman de Sam Lipsyte, dont Thomas a assuré la scénographie et les décors). Mais on peine ici à ressentir ces tourments de l’âme et du cœur.

Tourbillon réussit la gageure d’allier une recherche esthétique à un regard humaniste. Les deux héroïnes du film sont octogénaires et mènent avec joie et résistance le fil de leur existence dans un village reculé du Sertão, dans le nord du Minas Gerais. Le cadre fait parfois des inserts sur des détails et des éléments du décor, saisis de manière quasi photographique. Loin d’enfermer le film dans un dispositif trop ostentatoire, il se mêle au contraire à sa portée documentaire. Le duo de cinéastes a fait le pari de suivre les personnages dans leur réalité. Tous se retrouvent pour la première fois devant la caméra et jouent leur propre vie. Dans leurs intérieurs rudimentaires comme sur le perron de leurs maisons. Derrière les fourneaux ou devant la machine à coudre. Une expérience qui lie ainsi intimement le témoignage à la fiction. Bastu et Maria font don de leur allégresse et de leur fantaisie, tout comme elles donnent à voir leur quotidien. Les éléments sont présents, terre, eau, vent, et insufflent à la fiction un souffle de poésie. Maria chante encore et encore. Les mélodies locales et les rythmes scandent les images avec une grâce toute simple. Et le charme opère. Mélancolique. Tourbillon touche à l’universel a travers ce récit de vie et de mort au rythme du soleil et de la nuit.

Insolation

Avec Historias, Julia Murat rend elle aussi hommage aux plus anciens. Dans la vallée de Paraiba dans la région de Rio de Janeiro, un village préservé du temps et de la technologie se voit bouleversé par l’arrivée d’une photographe baroudeuse. La jeunette se retrouve témoin des faits et gestes quotidiens et répétitifs de son hôte, Madalena. Celle-ci se lève aux aurores pour faire cuire le pain qu’elle porte chaque matin à la boutique de son ami Antonio. Ensemble, ils vont à la messe puis déjeunent avec la petite communauté menée par le curé. Le cimetière est fermé pour une raison obscure. Madalena s’assied devant la grille ou nettoie l’entrée. Elle écrit aussi des lettres d’amour à son mari défunt. La cinéaste capte avec une grande sensibilité le fil du temps du passe. Et la densité de chaque seconde. A pétrir la pâte à pain et manger de l’igname au petit matin. A siroter un café sur un banc. A jouer au lancer de fers à cheval au bord des voies ferrées. A

se chamailler chaque jour autour des mêmes manies. A draguer la jeune femme de passage en lui assurant que la « machine fonctionne ». Des gestes triviaux transcendés par une sorte de pensée magique. Le lien à l’autre, vivant ou mort, maintient l’ordre et le calme fantomatique de ce lieu où l’on ne meurt plus. Ou presque. Chaque mouvement, chaque regard, chaque parole bouleverse.

Par Bahia Allouache

Documentaire français

Age : à partir de 10 ans

Sortie : 11 avril 2012

Durée : 1h21

Réalisation : François Lunel

Interprétation : Dominique Léon, artisan coiffeur et sa clientèle

Le salon parisien de Dominique Léon est une libre reproduction de cabine de paquebot. Boisée, ouverte sur l’horizon de l’introspection à travers des miroirs en forme de hublots, cette cabine semble agir comme un appel au lâcher prise et au voyage intérieur. Chaque client, face à son reflet dans le miroir, choisit d’affronter son image ou de l’occulter, il choisit de parler ou de se taire, de se livrer ou de se cacher.

Dominique Léon est un artisan de quartier. Quand il manipule le cheveu, il n’est ni dans la prouesse technique, ni dans l’effet de mode. A chaque coup de ciseaux, il cherche plutôt à s’approcher au plus près de ce que sont les personnes qu’il coiffe. Le brushing de Guillemette ne sera pas celui d’Isabelle. La coupe de Jacques ne sera pas celle de David. Parce

que chaque parole est singulière avec sa propre langue. Avec sa propre voix, et sa propre voie.

Chez Léon Coiffure, on parle de l’engagement politique, du monde du travail, de la vieillesse, des études, de la maladie. D’hier et de demain. Le verbe peut être abondant et creux, rare et bouleversant. La mélancolie se mêle à l’angoisse, l’espoir aux regrets.

Chacun se raconte et raconte les fragments d’une époque (2007-2011). Cinq années durant lesquelles François Lunel a saisi, avec sa caméra, le singulier pour le fondre dans le collectif.

Pour le réalisateur, ce film était un « travail sociologique » dans lequel il ne voulait « pas interférer ». Ce qui l’intéressait ? « Proposer un dispositif quasi mécanique et laisser faire ». Laisser faire pour donner à voir et à entendre. Il n’y a, à l’écran, la place que pour les visages et les témoignages. Très vite se pose alors la question du rapport

de chaque client à la caméra (certains sont dans la séduction quand d’autres sont dans la fuite) et de chaque spectateur au film. Mais, tour à tour, dans la sincérité puis la feinte,

la légèreté puis la gravité, la parole des clients éclipse tout risque de voyeurisme du spectateur en faisant affleurer l’essentiel : les silences de Dominique. Et soudain, « Chez Léon Coiffure » apparaît comme le portrait du plus discret des personnages du film : Dominique Léon.

Par Bahia Allouache

Réalisation :

Michale Boganim

Coproduction française, polonaise, ukrainienne et allemande

Age : à partir de 10 ans

Sortie : 28 mars 2012

Durée : 1h48

Interprétation :

Olga Kurylenko, Andrzej Chyra, Serguei Strelnikov…

« La terre outragée », première fiction sur la catastrophe nucléaire de Tchernobyl

C’est sur la lecture d’une lettre adressée à un pommier que s’ouvre « La terre outragée ». Cette lettre, écrite par le jeune Valery, raconte avec les mots d’un adolescent l’attachement à la terre natale. Cette terre se trouve ici en Ukraine soviétique. Des champs, une forêt et cette rivière rieuse, au bord de laquelle Vladimir a planté son pommier, sur laquelle une petite barque glisse lentement, avec à son bord Anya et Piotr qui flirtent en pensant à leur mariage prochain, et au bout de laquelle point l’imposante centrale nucléaire de Tchernobyl.

En ce printemps 1986, la nature paisible, la sensualité des êtres et la technologie civilisatrice semblent avoir trouvé un point d’équilibre presque évident.

Mais l’histoire, nous la connaissons, veut qu’une pluie noire vienne s’abattre sur cette terre de paradis. En ce 26 avril, l’accident nucléaire qui se produit dans la c

entrale Lénine va brûler cette terre et dévaster ses habitants. Les parcours et les rêves de Vladimir, Anya et Piotr se brisent en silence, dans le vertige du départ précipité, et de la mission patriotique à accomplir. Certains survivent, d’autres disparaissent. Et reste la radioactivité, ce mal continuel et impalpable.

L’assourdissant silence qui envahit les lieux fait étrangement écho au refus de l’oubli qui torture les personnages. Et c’est bien là tout le propos de Michale Boganim. Dans la continuité de « Odessa…

Odessa ! » (2005), une trilogie documentaire sur l’immigration russe entre Odessa, New York et Israël, la réalisatrice israélienne de 37 ans choisit la fiction pour poursuivre son exploration du rapport à la terre natale et des méandres de la mémoire provoqués par l’exil et le

déracinement. Comment composer avec le passé ? L’intérioriser et l’enfouir, ou le transmettre ?

Le personnage de Valery est parti avec sa mère pour Salvoutich, petite ville créée pour accueillir les rescapés de la catastrophe. Taciturne et bagarreur, l’adolescent est hanté par le souvenir de son pommier et de son père disparu. Son enfance à jamais perdue dans les ruines de la maison familiale.

Anya, elle, refuse l’exil. « Pourquoi je ne suis pas partie ? C’est ici chez moi. ». Dix ans plus tard, devenue guide touristique dans le cadre d’un douteux Tchernobyl tour, parce que chaque jour elle foule sa terre outragée, elle est désormais dépositaire d’une mémoire qui ne voyage pas :« Si je pars, qui racontera notre histoire ? »